Robert Irwin in the studio working on an early line painting, 1962 (? Marvin Silver, courtesy of Marvin Silver and Craig Krull Gallery) (click to enlarge)
他在20世紀50年代開始了他作為畫家的職業生涯，但在20世紀60年代轉向安裝工作，成為先鋒，他的工作有助於定義西海岸光與太空運動的美學和概念問題。他的早期作品經常使用光和紗布來改造畫廊和博物館空間，但自1975年以來，他還將景觀項目納入了他的實踐。Irwin在蓋特中心（1992-98），Dia：Beacon（1999-2003）以及德克薩斯州Marfa的Chinati基金會（2001-16）等機構構思了超過五十五個特定場地項目。洛杉磯當代藝術博物館於1993年首次回顧了他的作品; 2008年，聖地亞哥當代藝術博物館展出了另壹個，他的職業生涯長達五十年。Irwin於1976年獲得古根海姆獎學金，1984年3月獲得麥克阿瑟獎學金，並於2007年當選為美國藝術與文學學院的成員。他在加利福尼亞州聖地亞哥生活和工作。
Robert Irwin, “Untitled” (1969), acrylic paint on shaped acrylic, 53 1/4 in. diam., installation view, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (artwork ? 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)
起點
Robert Irwin於1928年出生於加利福尼亞州長灘，Robert Irwin和Goldie Anderberg Irwin。從1946年到1947年在美國陸軍服役後，他參加了幾個藝術機構：1948年至1950年在洛杉磯的奧的斯藝術學院，1951年在傑普森藝術學院，以及1952年至1954年在洛杉磯的Chouinard藝術學院。他花了未來兩年生活在歐洲和北非。1957年至1958年間，他在Chouinard藝術學院任教。
Installation view of “Band in Boston” (1962), “Bed of Roses” (partial) (1962), and “Untitled” (partial) (1962), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (artworks ? 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver)
工作
1977年，羅伯特·歐文（Robert Irwin）寫下了關於他自己的壹些信息：“我開始作為壹名畫家在壹個不知名的地方，幾乎沒有問題......我的第壹個真正的問題涉及我畫作的任意性......我用我的畫作作為壹步壹步的過程，每壹系列新作品都直接回應了前壹系列提出的問題。我首先質疑商標作為意義然後作為焦點;然後我將框架作為遏制質疑，邊緣作為我看到的開始和結束...考慮到沒有任何東西真正超越其直接環境的可能性......我試圖直接回應我所處的每種情況的質量，而不是將其批量轉變為新的或理想的環境，而是直接參與其如何的性質當它充滿真實和觸覺事件時，壹個空間怎麽可能被認為是空的呢？”（Robert Irwin，1977）Robert Irwin的藝術概念源於壹系列經驗感知。作為壹個抽象的，思想開明的思想家，他首先將經驗作為感知或感覺呈現。他的結論是，壹種認識感或識別能力有助於澄清感知。例如，“我們知道天空的藍色，甚至在我們知道它是“藍色”之前，更不用說“天空”了。
Installation view of “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011) and “Untitled (Acrylic Column)” (1969–2011), in ‘Robert Irwin: All the Rules Will Change’ (artwork ? 2016 Robert Irwin / Artists Rights Society [ARS], New York, photo by Cathy Carver) (click to enlarge)
他後來解釋說，抽象思想的概念是通過自我的概念在思想中發生的。然後，識別物理形式，將形式傳達給社區。然後，客觀化合物發生，描繪行為規範和藝術規範，變得可識別。然後邊界和公理引入邏輯和推理，並且可以做出決定：歸納法或演繹法。形式主義隨之而來，證明並說服了關於被感知對象的決定。Irwin所做的研究表明：“所有的想法和價值都源於經驗，它們可以在任何時候分開，並在功能和使用的基礎上直接發展，這兩者實際上都與條件保持相關，我們的主觀和客觀存在。”Robert Irwin的哲學將他的藝術觀念定義為壹系列美學探究，文化創新的機會，與社會的交流互動，以及復雜的歷史發展。
勞倫斯·韋斯勒勒 （ Lawrence Weschler）在他的著作“ 看見忘記了壹件事的名字”中記錄了歐文作為南加州年輕人的早期過程，以及他作為後抽象藝術世界的領導者的出現。Weschler在他的書的封面說明中描述了這些作品的迷人和常常令人著迷的品質：
Larry Bell's "6 x 6 An Improvisation", 2014
1980年5月，羅伯特·歐文回到加利福尼亞威尼斯的市場街，到那裏他壹直保留著壹個工作室，直到1970年，他完全放棄了工作室的工作。Melinda Wyatt在他以前的工作空間隔壁的大樓裏開了壹家畫廊，並邀請Irwin創建壹個裝置。
Robert Irwin’s Excursus: Homage to the Square? at Dia: Beacon, Dia Art Foundation, June 1, 2015 – May 2017
他清理了大的長方形房間，調整了天窗，將墻壁漆成了白色，然後將面向街道的墻面敲了壹下，用壹塊透明的半透明白色平紋棉布代替。房間似乎改變了它的方面與過去的壹天：人們來了，坐在對面的路邊，看著，有時幾個小時。
由於他作品的短暫性或微妙性，本書不僅僅是壹本介紹，而且對於許多藝術家和藝術學生來說，羅伯特·歐文的作品經歷的主要方式。2007年，他告訴“紐約時報”的 Jori Finkel，人們仍然會在他的講座上找他簽名。在那篇文章中，曾任命歐文“設計我們的Dia：Beacon體驗”的LACMA主任邁克爾·戈萬表示，他相信這本書“已經說服了更多的年輕人成為藝術家而不是天鵝絨地下樂隊創造了搖滾樂手”。
Similar to what Gabriel Dawe’s work, but no way related, here’s another series of colored string suspended to look like movement and reflection. Absolutely stunning and labor intensive, I would imagine.
繪畫
歐文的早期作品始於繪畫。1959年，他畫了壹系列手持物品，並作為個人參展商第二次在洛杉磯的Ferus畫廊展出。次年，1960年，他被要求再次在帕薩迪納藝術博物館展出。到那時他開始了壹系列連續的實驗。1962年，他開始在加州大學洛杉磯分校教學，並再次在Ferus畫廊展出。那壹年，他開始了他的線條畫。他於1964年在Ferus畫廊展出並展示了他的點畫作。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
在1966年至1967年間，他開始畫鋁盤。他被邀請作為紐約佩斯畫廊的個人參展商。1968年，他開始在加州大學歐文分校任教。在接下來的兩年裏，他開始了他的工作，采用透明的亞克力圓盤，白色凸起結構固定在墻上，並用燈照亮。1970年，他開始研究“柱子”，這是壹系列透明的丙烯酸柱。1972年，他開始研究西南地區的“視線”和“地方”。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
光作品
歐文在20世紀70年代首次使用熒光燈。他的場地條件裝置Excursus：對Square3的敬意，對畫家Josef Albers的冥想以及他對色彩關系的探索，於1998年至2000年間在Dia：Chelsea展出。它由18個小房間組成，被繃緊的紗布墻壁分開; 每個房間的燈光，其值取決於與窗戶的距離，通過四個白色和彩色雙熒光燈泡增強，每個燈泡垂直懸掛在每個墻壁的中心。 2015年，它在Dia：Beacon重新安裝，並將在2017年繼續展出。 2015年在紐約佩斯畫廊舉辦的展覽中，他安裝了多排柱狀燈，用彩色凝膠塗抹不同的燈管，改變光的傳播。
Robert Irwin. Installation view, Sprüth Magers, Los Angeles, January 23 - April 21, 2018. Courtesy the artist and Sprüth Magers. Photograph: Robert Wedemeyer.
安裝
自1968年以來，Irwin通過在房間，花園，公園，博物館和各種城市場所創建裝置，專註於場地本身。尤其受約翰·麥克勞林，歐文和其他光與空間藝術家的繪畫影響，對於推動藝術和感知的界限變得充滿好奇，在20世紀70年代，羅伯特·歐文離開工作室去追求直接涉及光的裝置藝術和空間：視覺感知的基礎，在室外和改良的室內場所。這些裝置允許對藝術家和觀眾進行開放式探索，通過操縱環境的環境而不是保留個別藝術作品的範圍來創造改變的體驗。參與光與空間運動的其他藝術家包括John McCracken，James Turrell，Peter Alexander，Larry Bell，Craig Kauffman，Doug Wheeler，Maria Nordman等。
Light and Space, 2007
115 fluorescent lights
271 1/4 × 620 in
689 × 1574.8 cm
1970年，現代藝術博物館邀請歐文創作裝置。使用整個項目空間，Irwin懸掛了壹塊距離地面10英尺的白色平紋棉布，並在墻上貼上閃閃發光的不銹鋼絲。1971年，沃克藝術中心委托藝術家為愛德華拉臘比巴恩斯設計的建築的首次展覽創作無題（傾斜/光/卷）。對於1974年在紐約佩斯畫廊安裝的軟墻，歐文只需清潔並塗上壹個長方形的畫廊，並在其中壹個長墻前面懸掛壹個薄薄的，半透明的白色劇院十八分之壹的網格，創造出壹種效果。空蕩蕩的房間，壹面墻似乎永遠失焦。在艾倫紀念藝術博物館入口走廊的永久性墻壁裝置，無題 （1980）的尺寸恰好重復了對面的深層窗戶。在20世紀80年代早期，歐文被邀請作為合作藝術家參與設計邁阿密國際機場的復興和改善。1997年，他在聖地亞哥當代藝術博物館的拉霍亞分館改造了壹個俯瞰太平洋的房間。為慶祝其成立125周年，印第安納波利斯藝術博物館委托歐文創作“光與空間III”（2008），從而成為第壹個永久性室內裝置藝術家的美國博物館。對於這件作品，歐文在自動扶梯周圍的墻壁上布置了不規則網格圖案的熒光燈泡，兩側各有壹層稀松布框架; 隨著博物館參觀者在樓層之間上下移動，他們穿過這件作品。Trifecta（Joe's Bar＆Grill）是位於印第安納州Fort Wayne的 瑞士再保險公司總部的三層永久燈具，於2012年落成。
1? 2 ? 3 ? 4?, 1997
Apertures cut into existing windows
115 × 320 × 221 in
292.1 × 812.8 × 561.3 cm
2013年底，歐文的壹個33英尺高的丙烯酸柱在聖地亞哥聯邦法院大樓揭幕，藝術家在法院的戶外廣場上與他的長期朋友和合作者，建築師Martin Poirer和景觀設計師Andrew Spurlock合作。這座三層樓高的丙烯酸立柱建於幾十年前，但由於壹系列不可預見的情況而從未給出適當的住所，當太陽穿過大廳時會折射光線和鑄造顏色。柱子的制作和與材料有關的技術問題都由傑克布羅根執行，他是光與空間運動技術演變的核心人物。Brogan發明了將柱子拋光到所需透明度的挑戰和技術，並且仍然是該領域的高水位標記。
Prism, 1971
Acrylic
143 7/10 × 5 9/10 × 5 9/10 in
365 × 15 × 15 cm
對於洛杉磯郡藝術博物館（LACMA），歐文創建了壹個原始棕櫚樹的戶外裝置（Primal Palm Garden ，2008-2010）以及壹個室內36英尺長的熒光燈雕塑，Miracle Mile （2013），它每天24小時在它們後面發光。
Untitled, 1969
Acrylic lacquer on cast acrylic
53 × 24 1/2 in
134.6 × 62.2 cm
自從21世紀初開始工作並重新設計他的想法為Chinati基金會創建壹個巨大的裝置後，Irwin在Marfa的裝置-壹個約10,000平方英尺的U形建築-將於2015年初開始，並在公眾面前完成並向公眾開放。該裝置位於原軍營軍營醫院的建築物內，將成為自2004年以來第壹個加入Chinati基金會的主要裝置，以及第壹個由Irwin專門致力於他的工作。
Yellow Jacket, 2015
6 ft. single pin-14 tubes and 6 ft. double pin-1 tubes, fluorescent light, colored gels
72 × 95 1/5 × 3 1/2 in
182.9 × 241.9 × 8.9 cm
其他裝置包括：碎裂光-部分平紋棉麻織物-紐約現代藝術博物館的眼睛水平（1970-1971）; 紐約惠特尼博物館的黑線室部門+擴展表格（1977年）; 華盛頓特區舊郵政局的48架影子飛機（1983年）;升入法國巴黎現代藝術博物館（Musee d'Art Moderne de Ville）（1994年）;和雙鉆石在法國裏昂的當代藝術博物館（1997-1998）。
Sculpture/Configuration 2T 3L, 2018
Acrylic
119 × 36 × 32 in
302.3 × 91.4 × 81.3 cm
景觀項目
Irwin在開發了壹個體驗空間的風格之後轉向了景觀項目，將他所學到的線條，顏色以及最重要的光線投射到建築環境中。自1975年以來，Irwin已經構思了五十五個網站項目。9空間9樹（1980-3）最初由西雅圖藝術委員會於1980年委托為公***安全大樓的屋頂; 它於2007年重新設想，並位於華盛頓大學的校園內。Irwin的Filigreed Line（1979）為馬薩諸塞州韋爾斯利學院制作，由壹條不銹鋼線組成，沿著湖邊的草脊延伸，在其中切割出壹些葉狀的圖案。他的1983年作品“ Two Running Violet V Forms” ，兩個穿越藍色紫羅蘭色的塑料塗層鐵絲網，用高桿固定，是聖地亞哥加州大學校園內Stuart系列公***藝術品的壹部分。對於位於帕薩迪納市政中心區的 Sentinel Plaza（1990），Irwin選擇了小型沙漠植物和仙人掌。他後來咨詢了Dia：Beacon的總體規劃，特別是創造了室外空間的設計和景觀，以及入口建築和窗戶設計。
#4 x 8FT. FOUR FOLD, 2012
Light+shadow+reflection+color
96 × 17 1/4 × 4 1/4 in
243.8 × 43.8 × 10.8 cm
後來他在洛杉磯蓋蒂中心設計並開發了中央花園，建於1997年。在中央花園，歐文將體驗關系與建築環境融為壹體的概念非常清晰。那些經驗元素填補了空間。該項目因其設計和流程而受到廣泛贊譽。134,000平方英尺（12,400平方米）的設計擁有天然的峽谷和綠樹成蔭的走道，引導遊客體驗景點，聲音和氣味。他選擇了花園裏的所有東西來突出光線，色彩和反射的相互作用。規劃始於1992年，是蓋蒂中心項目的重要組成部分。自該中心於1997年開業以來，中央花園隨著植物的發展而不斷發展。歐文的聲明，“永遠改變，永遠不會兩次相同”，刻在廣場樓層，提醒遊客這種生活藝術的不斷變化的本質。令藝術家感到沮喪的是，20世紀50年代的FernandLéger雕塑被放置在花園的廣場上。
Swiss Made, 2015
Fluorescent light, colored gels
72 × 95 3/10 × 3 1/2 in
183 × 242 × 9 cm
Irwin最近完成了2007年洛杉磯郡藝術博物館安裝原始棕櫚園的第二階段。棕櫚園以“T”形排列，東西軸線介於兩者之間。周圍，廣泛的當代藝術博物館和Resnick亭。南北軸線以日期手掌網格終止，作為藝術家Chris Burden的Urban Light裝置的對位。歐文長期以來壹直對棕櫚樹如何捕捉和反映南加州的光線感興趣; 設計棕櫚園為Irwin提供了壹個機會，可以同時掌握手掌的現象和文化觀念。個別種類的棕櫚樹種植在Cor-Ten箱子中，現代和正式的普通木質育苗箱。雕塑容器參考傳統上表示藝術品的基座。Irwin對棕櫚樹的使用考慮了棕櫚樹和洛杉磯圖像之間無處不在的標誌性連接。